Un XXe siècle en majesté, le verre au musée des Arts décoratifs
 
Aujourd’hui, la collection de verres du musée des Arts décoratifs de Paris compte parmi les plus remarquables au monde – en 2016, c’est un florilège de ses merveilles du XXe siècle qui est offert à la contemplation des visiteurs du château de Sédières, qu’ils viennent de Corrèze ou qu’ils y flânent au gré de leurs excursions touristiques.

Art universel, le verre ne cesse d’émouvoir et d’émerveiller, de ces œuvres d’art qui parviennent jusqu’à nous comme autant de miracles. Admirables, elles le sont à tant d’égards : leur inventivité technique, leur virtuosité d’exécution, les savoir-faire mis en oeuvre, la beauté d’une ligne, le choix des couleurs, et vaincre le temps en nous arrivant parfaites et intactes, défiant les fragilités de l’art.
Cette victoire de la fragilité d’un matériau sur les aléas de la vie des objets explique certainement la passion des artisans et artistes verriers à continuer depuis des siècles cette histoire d’un art décoratif majeur, comme elle légitime la passion de maints collectionneurs. Beaucoup de ces fonds patiemment constitués sont de nos jours conservés au musée des Arts décoratifs.

Symbole d’une France créative et industrieuse, le musée des Arts décoratifs est fondé dans la seconde moitié du XIXe siècle par un groupe d’artistes et de ce que nous appelons dorénavant des designers, de manufacturiers, d’industriels et d’amateurs d’art, pour défendre et montrer les arts décoratifs français, des plus anciens aux plus contemporains, mais aussi transmettre la connaissance et former le goût et l’oeil des créateurs, les inspirer et les soutenir dans leurs recherches techniques et artistiques – une mission que nous poursuivons encore aujourd’hui.
Dès sa fondation, le musée fait une large place au verre, considéré comme une expression artistique majeure et un terrain fabuleux de prospections technologiques. Très vite, la générosité de grands collectionneurs et d’amateurs éclairés, mais aussi la contribution militante des plus grands verriers, enrichissent le premier noyau, que vient aussi compléter depuis des décennies une politique d’acquisitions dynamique et pertinente.

Parmi ces trésors de sable et de feu, il a fallu faire un choix drastique, et le point de vue adopté est celui du verre du XXe siècle, où tant de prouesses et d’expériences ont été accomplies. Il est impossible de citer tous les donateurs et les acteurs de cette belle aventure collective – chers visiteurs, lisez leurs noms sur les cartels avec attention et gratitude… – mais comment ne pas évoquer ici les donations et acquisitions plus récentes menées à bien grâce à Barlach Heuer, la maison Baccarat, Alexandra de Vazeilles, Carole Decombe, Clara Scremini, grâce au mécénat de Michel et Hélène David-Weill, ou à celui de Moët-Hennessy et des Amis des Arts décoratifs, et très souvent à la bienveillance des artistes euxmêmes.

Toute exposition est un moment privilégié, celui de dévoiler un certain nombre d’oeuvres, iconiques ou inédites, et de les partager avec les passionnés ou de nouveaux publics. Conserver, partager, transmettre, ce sont les missions essentielles d’un musée, et elles sont au coeur de cette exposition au Domaine de Sédières. Avec Jean-Luc Olivié, conservateur en chef du département du Verre au musée des Arts décoratifs, elles ne pouvaient être en de meilleures mains, celles d’un connaisseur éminent. Que le conseil général de Corrèze, son président Pascal Coste, soient ici remerciés de leur accueil chaleureux, ainsi que toutes leurs équipes. Nos pensées les plus amicales et respectueuses s’adressent, last but not least, à Madame Bernadette Chirac à qui revient, une fois de plus, l’initiative d’une ambitieuse exposition en ces murs.
Olivier GABET Directeur du musée des Arts décoratifs

L’exposition s’ouvre sur un chefd’œuvre d’Emile Gallé créé après 1900.
Pour ce type de pièces d’exception, sa position artistique est comparable à celle d’un musicien : il compose et dirige une symphonie exécutée par les interprètes talentueux que sont les chimistes, les dessinateurs, les souffleurs et les graveurs de verre qui travaillent avec lui. Emile Gallé n’est pas un artiste ni un artisan solitaire, il est chef d’entreprise, formé dans une famille de commerçants à la vaste culture humaniste, et il crée à Nancy en 1894 une nouvelle manufacture. Dans cette manufacture sont fabriqués des services de table, des pièces de décor, des luminaires, mais aussi, ces chefsd’œuvre qui le placent au rang des plus grands artistes de sa génération et des plus grands verriers de tous les temps. Ces chefs-d’oeuvre de la fin de sa vie exploitent des matières et des couleurs aussi riches et subtiles que celle d’un peintre : c’est à ce titre ainsi que par leur statut d’oeuvres d’art symbolistes qu’elles restent une référence majeure, un sujet d’étude et une source d’inspiration pour de nombreux créateurs contemporains.

Nous proposons au public internaute de découvrir une beaucoup plus large sélection de cette collection, la plus importante des musées français, sur le site : http://www.lesartsdecoratifs.fr/ à la section bases de données de l’onglet « ressources et recherches ».

De l’Art nouveau à l’Art déco, une entrée dans la modernité
Le pôle verrier le plus important de l’Art nouveau français s’est constitué autour de la personnalité exceptionnelle d’Emile Gallé (1846-1904) et du regroupement d’industries d’art qu’il favorise dans sa ville en créant L’École de Nancy.

Les chefs-d’oeuvre de Gallé magnifient les thèmes naturalistes, plantes, fleurs, animaux et les couleurs très riches en jouant avec les subtilités de la translucidité et de l’opacité plus souvent qu’avec la vraie transparence.
Toutes les techniques du travail à chaud et du travail à froid y sont portées à un degré de complexité très grand. Des vases précieux sont souvent associés à des montures ou bases en bronze comme pour ce vase spectaculaire dont les couleurs évoquent un monde aquatique que survolent des libellules, insectes fétiches du répertoire de Gallé.

Dans le sillage de Gallé et également à Nancy, la verrerie des frères Daum débute une production décorative en 1891 et triomphe déjà aux côtés de Gallé lors de l’Exposition universelle de 1900.

René Lalique (1860-1945), le bijoutier le plus fameux de l’époque Art nouveau, engage une seconde carrière à partir de 1909 et devient un des principaux créateurs de verrerie de l’entre-deux-guerres. Très vite il remet au goût du jour la transparence et la monochromie et utilise de façon nouvelle des techniques de verre moulé permettant des fabrications en série.
La manufacture de verre qu’il crée en Alsace après la Grande Guerre existe toujours à Wingen-sur-Moder et les surfaces « satinées » qu’il a mises au point y sont toujours pratiquées. À ses débuts, Lalique conserve le répertoire symboliste qui peuplait ses bijoux, animaux et figures mythologiques, mais le vase aigles montre, dès 1911, les qualités les plus abouties du style épuré de l’ Art déco soulignées par la modernité du verre noir opaque.

François Décorchemont (1880-1971) est un des artistes français qui adopte et fait évoluer la technique de moulage dite « pâte de verre » mise au point par le sculpteur Henry Cros (1840-1907) en 1883. Débutant dans la mouvance de l’Art nouveau animalier et floral, il évolue dès les années 1910 vers des ornements stylisés et des formes simplifiées. Ses vases et ses « pots » aux parois épaisses et translucides ont des couleurs riches et profondes qui semblent parfois couler dans la masse du verre.
La famille Sala, originaire de Catalogne, installe au coeur de Paris au début du XXe siècle le premier atelier de soufflage miniaturisé et indépendant des manufactures traditionnelles. Bienvenu Sala puis ses deux fils Joachim et Jean Sala y déclinent un verre « malfin » , criblé de bulles de gaz, qui provoque une translucidité particulière des couleurs.

Baccarat, une des plus anciennes manufactures françaises, intègre un jeune designer, Georges Chevalier (1894-1987), qui donne forme à presque toutes les créations modernes de la manufacture pendant cinquante ans.

L’entre-deux-guerres, manufactures et créateurs indépendants
Cette époque, marquée par l’Exposition internationale qui se tient à Paris en 1925, voit apparaitre, à côté des créations des manufactures, des démarches de personnalités singulières qui abordent le verre de manière individuelle et libre. Ces nouveaux venus libèrent aussi la pratique du verre de l’ancestrale tradition des secrets à laquelle elle était liée. Maurice Marinot (1882-1960) est une des figures majeures de cette génération. Peintre de formation, il découvre le travail du verre à chaud par hasard, en 1911, et décide non seulement de s’y consacrer mais aussi de passer par le long apprentissage manuel du soufflage de verre.

Il est le premier artiste devenu artisan souffleur de verre. Cette position lui permet d’envisager cet art de manière inédite et de considérer « sa verrerie comme un art aussi libre que la peinture ou la sculpture ». Ce rapport intense et libre avec la matière en fusion le mène à inventer une nouvelle esthétique du verre épais, lourd et « charnu ». Ses objets semblent nous transmettre la fluidité de la « vie du verre chaud », de la dynamique du verre en fusion avec ses bulles de gaz ou ses poudres de couleurs prises entre des couches de verre transparent.

Il aborde aussi d’une manière originale la technique industrielle du verre gravé à l’acide en attaquant en profondeur le verre très épais. La manufacture des frères Daum, à Nancy, est la seule au monde à interpréter et à pratiquer cette nouvelle manière.  Son oeuvre influence plusieurs générations de souffleurs et de designers en France, en Europe et même aux Etats- Unis, citons par exemple Robert-Henry Schneider, André Thuret, Claude Monod, Alain et Marisa Begou et Michael Glancy,  Les frères Charles (1881-1953) et Ernest (1877-1937) Schneider, formés chez Daum, créent une des nouvelles manufactures du XXe siècle en région parisienne. Leurs couleurs vives et originales dont le fameux « orange tango » ainsi que de claires influences formelles vénitiennes, marquent leurs créations d’un sceau original.

La crise économique de 1929 a des répercutions très lourdes sur l’organisation et la diffusion des arts décoratifs précieux et les créateurs verriers sont particulièrement touchés.
Les années 1950 correspondent à une période de mutations difficiles pour les grandes verreries-cristalleries et aucune transmission des savoir-faire dans le milieu des verriers indépendants n’est mise en place.

André Thuret (1898-1965), ingénieur avant d’être créateur, est une des rares figures nouvelles du verre français à cette époque. Ses connaissances de chimiste l’amènent à créer des couleurs rares, pour des objets travaillés à chaud dans la lignée inaugurée par Marinot.
En Scandinavie et en Italie, on assiste à une période très riche de collaborations entre créateurs et manufactures, évoquées ici par le finlandais Tapio Wirkkala (1915-1985) et l’italien Fulvio Bianconi (1915-1996).

Le verre fait son entrée dans des écoles d’art
Le couple d’artistes tchèques formé par Stanislas Libensky et Jaroslava Brychtova, qui vivent et travaillent ensemble depuis les années 1950, est remarquable à plusieurs titres. Dans cette terre de tradition verrière qu’est la Bohême, ils oeuvrent en fusionnant leurs talents et créent le corpus de sculptures en verre le plus marquant de la seconde moitié du XXe siècle. Leurs moulages de verre sont comme des filtres complexes jouant avec rigueur et sensibilité de la lumière colorée et de ses variations. Stanislas Libensky est aussi, au sein de l’école supérieure des arts décoratifs de Prague, un pédagogue exceptionnel formant plusieurs générations d’artistes qui donnent un nouvel âge d’or au verre tchécoslovaque et, par ailleurs, un ambassadeur de l’art de son pays, et ce avant même la chute du communisme en 1989. L’enseignement du verre dans des universités et des écoles d’art, initié en Tchécoslovaquie, est effectivement une des nouveautés du XXe siècle. Il a contribué à la féminisation importante du monde des verriers et il est à l’origine de nombreuses démarches actuelles.
Après la Tchécoslovaquie, une dynamique pionnière apparait aux Etats-Unis où depuis les années 1960 de nombreuses universités incluent des ateliers de verre. Une des figures majeures de ce mouvement, Dale Chihuly, est aussi à l’origine de l’Université d’été de Pilchuck, dans les forêts du Nord de la côte Ouest américaine. Ce campus verrier estival est devenu un des lieux d’échanges et de formation important depuis les années 1980. La présence régulière à Pilchuck d’un des plus grands « maestro » de Venise, Lino Tagliapietra, a permis par exemple à des étudiants du monde entier de s’approprier les techniques de cette tradition séculaire.

La Rietveld Academy à Amsterdam, où étudient puis enseignent Richard
Meitner et Mieke Groot, donne un autre exemple des bénéfices de l’intégration de la pratique verrière dans une école supérieure d’art et de design. La France ne suit pas cette voie d’un enseignement verrier dans des écoles d’art, et c’est d’abord grâce à l’énergie de personnalités autodidactes que le verre français s’inscrit de nouveau, depuis les années 1980, sur la scène internationale, soutenu aussi par l’arrivée de créateurs verriers formés en Tchécoslovaquie, en Pologne et en Roumanie. Notre territoire voit ensuite la création de lieux originaux. Le centre de recherche de Marseille (CIRVA) accueille en résidence des personnalités internationales du monde de l’art et du design. Le Centre verrier de Meisenthal (CIAV) redonne vie a un lieu de tradition autour de l’usine où travaillait Emile Gallé jusqu’en 1894.

Enfin, un centre de formation, technique mais ouvert à la création contemporaine, est créé à Vannes-le- Châtel (CERFAV) à côté d’un ancien site de production de la manufacture Daum. Y sont passés Xavier Le Normand, Pascale Riberolles et Anne-Lise Riond-Sibony, et y ont enseigné Lino Tagliapietra et Jeremy Maxwell Wintrebert.

Le verre fait son entrée dans des écoles d’art Stanislav LIBENSKY  (1921-2002), Jaroslava
Le verre, un matériau « nouveau » pour des sculpteurs sculpteur Henry Cros dans les années 1880 donnent naissance, tout au long du XXe siècle, à de nombreuses variations. Ces variations autour du moulage de poudres ou de blocs de verre fondus ou amalgamés dans des moules en plâtre, résistants à la chaleur et détruits après la cuisson, sont développés par d’autres sculpteurs, des céramistes, des verriers et des industriels. La « pâte de verre » et toutes ses variations permettent, entre autres, la réalisation de volumes en verre massif.
Les effets de légèreté et de fragilité, traditionnellement associés à la transparence du verre, sont alors souvent abandonnés au profit d’effets de blocs lumineux et de puissance minérale.
C’est dans cette optique que le sculpteur céramiste Bernard Dejonghe aborde le verre dans les années 1980. Ses formes simples parfois associées aux oeuvres ou aux outils de l’aube de l’humanité, sont réalisées, comme de nombreuses oeuvres actuelles, en transformant des verres de haute technologie optique fabriqués industriellement.

Ses sculptures jouent d’un contraste fort entre des masses si transparentes qu’elles semblent s’effacer comme un fluide, et une croûte fine et mate qui les contient. C’est avec le même type de blocs de verre optique fournis par l’industrie que se sont aussi construits, généralement à froid, par taille, sablage et collage, les oeuvres de Matei Negreanu et Ceslaw Zuber.

Les finitions parfaites du polissage optique, comme pour des lunettes ou des lentilles photographiques, sont caractéristiques des oeuvres de Yan Zoritchak, slovaque vivant en France depuis 1979. Ces finitions apparaissent aussi dans les œuvres récentes en pâte de verre d’Antoine Leperlier : céramique et verre y sont matériellement et symboliquement confrontés comme deux incarnations du temps, celui qui coule comme un fluide et celui qui se fige dans notre mémoire.
Cette veine moderne du verre puissant et minéral se retrouve aussi dans de nombreux objets déclinant les typologies traditionnelles du vase ou de la coupe, par exemple avec les pièces sculpturales du tchèque Frantisek Vizner ou les constructions autour d’un vase de l’américain Michael Glancy.

Des réseaux internationaux forts, féminisés et très mobiles
L’américaine Toots Zynsky, une des figures les plus internationales du verre actuel, a été formée à la Rhode Island School of Design, a participé aux débuts du projet de l’université d’été de Pilchuck (près de Seattle) avec Dale Chihuly, travaillé à New York, puis vécu à Amsterdam et Paris avant de revenir à Boston. Elle appartient à cette génération pour qui le monde du verre, autrefois très masculin, se féminise de façon spectaculaire. Au début des années 1980, alors qu’elle habite dans le
même bâtiment que Mieke Groot et Richard Meitner à Amsterdam, elle invente un principe technique comportant d’abord l’étirage en fils de verres de couleurs, la mise en place à froid de ces fils, puis leur fusion et au final la déformation à chaud (thermoformage) de ces disques en formes creuses. Elle décline depuis ce principe en des variations multiples dont elle n’a pas épuisé la richesse et les possibilités. Après des séries aux couleurs exubérantes, « Adempimento » appartient à un groupe évoluant vers un jeu polychrome assagi et vers des dimensions plus importantes où dominent la verticalité et un déploiement formel baroque aux plissés textiles.

Au-delà des voyages qu’ils effectuent pour leurs expositions internationales, d’autres exemples de la mobilité des verriers d’aujourd’hui nous sont donnés par des personnalités comme le japonais Yoichi Ohira, qui vient terminer ses études à Venise et y vit et travaille pendant plusieurs décennies. Philip Baldwin, américain, et Monica Guggisberg, suisse, se rencontrent en Suède, vivent et installent leur atelier en Suisse, puis à Paris et maintenant au Pays de Galles, sans parler de leurs allers-retours fréquents pour collaborer avec des ateliers vénitiens.

Enfin, la tradition verrière du travail en équipe a peut-être joué un rôle dans cette nouveauté que sont ces couples contemporains formant des duos de créateurs verriers, comme Libensky et Brychtova, Alain et Marisa Bégou, Martine et Jacki Perrin., Anne-Lise Riond-Sibony, découvre le verre à New-York, continue sa formation à Vannes-le-Châtel avant de s’installer à Paris, alors que le jeune français Damien François se forme au Danemark, et vit en Norvège avant de revenir en France. La tradition ancienne des voyages de verriers semble avoir trouvé une nouvelle incarnation dans la vie de ces verriers d’un monde globalisé.

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Venue:
CHÂTEAU DE SÉDIÈRES
Sedières, 19320 Clergoux, France
+33 (0)5-55 27 76 40
sedieres.fr